Entrada destacada

Noches, Noches, Noches

 Queridos amigos, el próximo 21 de Julio arrancará en Madrid la cuarta edición de las ya célebres Noches del Botánico. Se trata de un conju...

miércoles, 16 de mayo de 2018

Noches, Noches, Noches


 Queridos amigos, el próximo 21 de Julio arrancará en Madrid la cuarta edición de las ya célebres Noches del Botánico. Se trata de un conjunto de conciertos celebrados gracias a, entre otros,  Planet Events, Julio Martí y la Universidad Complutense, cuyo jardín sirve de escenario para el musical evento. 

  Esta edición no puede tener mejor aspecto: a Serrat, Elvis Costello y Miguel Poveda se les unen, entre otros, los archifamosos Carlos Vives y Pat Metheny. 

¿Cómo llegar? ¡Muy sencillo! A través del metro de Ciudad Universitaria o los autobuses 82, 132, F,G,U y N20.

¡Las Noches del Botánico os esperan!



viernes, 4 de mayo de 2018

EL PAÍS DE LOS ATRILES


  Con frecuencia, cuando leo posts en eldoblaje.com en los que sus miembros hacen todo tipo de preguntas relacionadas a encaminar sus pasos hacia el apasionante mundo del doblaje. Y, en muchas ocasiones, se dan como respuestas puntos de vista absolutamente parciales y subjetivos que pueden confundir al futuro –o no- actor de doblaje. De modo que, voy a intentar responder las dudas que todo el mundo tiene sobre cómo encontrar la mejor escuela.

Woola a todos, quiero hacer un curso de doblaje porque tengo una voz muy chula…

  Si ese es el motivo que te lleva a intentar cursar doblaje, olvídate. Cualquier voz vale para el doblaje, aunque es mejor si tiene personalidad (en mi opinión). Pero, desde luego, una de las condiciones principales para ser actor de doblaje lo especifica la propia expresión: SER ACTOR. No importa si no has hecho aún nada profesionalmente, pero tienes que llevar dentro el bicho artístico, el bicho del escenario. Si no tienes talento interpretativo, olvídate. Porque, por mucho que te pongan a doblar al mejor actor, NUNCA lo harás bien. Siento ser así de duro, pero es la realidad.

















Quiero ir a una escuela de doblaje, pero no sé a cuál

  No quiero despreciar a ninguna de las comunidades autónomas en las que se hace doblaje, pero las escuelas DE VERDAD están en Barcelona, Madrid, Alicante y Sevilla. Date cuenta de que he dicho que están en estas ciudades, lo cual no quiere decir que todas sean buenas. Las hay que son buenas escuelas donde quienes enseñan son profesionales con experiencia acreditada y las hay que son sacacuartos dirigidas por aficionados que no saben hacerse la O con un canuto. Pero, ¡ohhhhh….GRACIAS!, tenemos la web de eldoblaje.com, donde puedes corroborar la experiencia (o no) de quienes dan las clases. Y si alguno de los profesores de tu escuela no quiere decirte a quién dobla DESCONFÍA de ese “profesor”.

   Si es necesario que te enseñe un profesional acreditado no es solamente por el motivo anterior, sino porque el acceso a la profesión es cada vez más difícil y –por las normas dictadas por algunos estudios- solo permiten que entres como principiante si tu profesor te ha encaminado al estudio para que te hagan una prueba.

Fulanito, eres una enciclopedia

   Aunque el título de este epígrafe suena a guasa, es adecuado para explicar dos consejos que –si eres un apasionado del doblaje- te recomiendo que sigas ahora y durante toda tu etapa de aprendizaje Y TODA TU CARRERA.

  El primero de estos consejos es que escuches mucho doblaje clásico. En el doblaje clásico, en aquellos doblajes que se hacían entre los años cuarenta y principios de los ochenta, encontrarás CLASES MAGISTRALES DE INTERPRETACIÓN. Sobre todo, debes escuchar –sí o si- los siguientes doblajes:

-EL COLOSO EN LLAMAS (ojo, el doblaje original, no el redoblaje)

-UNO, DOS, TRES

-LOS CAÑONES DE NAVARONE

-LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ

-DOCTOR ZHIVAGO

-SONRISAS Y LÁGRIMAS

-EL PADRINO (de nuevo DOBLAJE original, aunque el redoblaje sea bueno)

-TIBURÓN (oooootra vez, doblaje original, aunque el redoblaaaje seeea bueeeeeno) 

Y sí, también el siguiente doblaje actual: V DE VENDETTA

  Otro consejo que me gustaría dar es el siguiente, al que el primero precede: dedica parte de tu tiempo a investigar sobre el doblaje. Yo he pasado por dos escuelas de doblaje, y veo que –si bien no todos- muchos compañeros adolecen de falta de conocimientos sobre la historia del doblaje. Una historia que no debe olvidarse, compuesta por profesionales en cuyo espejo todos debemos mirarnos. Esto conlleva buscar y contrastar información en los foros especializados, hemerotecas, entrevistas en programas de radio y televisión a los cuales se puede acceder por Internet, leer libros sobre la materia….

   Cuando hagas todo esto, verás que seguir todos estos consejos no solo aumentará tu cultura, sino que te emocionará y te entretendrá. Y aquí viene mi anécdota particular. Un buen día acudí a una estupenda gala, los PREMIOS IRENE. Y me encontré a la hija de Angel Mari Baltanás, el mejor actor de doblaje que ha tenido Madrid y uno de mis mayores ídolos. Le dije claramente que su padre era un genio, que era el número uno. Ella me contestó que le eso le sorprendía porque yo era muy joven, y que le hacía mucha ilusión que se lo dijera. Muchas personas de las nuevas generaciones no pueden decir lo mismo.

Primeras Figuras

   Este epígrafe me sirve para hacer hincapié en lo que ya expliqué en el segundo. En la web de eldoblaje.com siempre enseñan la ficha como actores de los profesores que hay en tu escuela SIEMPRE Y CUANDO HAGAN DOBLAJE, pero te recomiendo también encarecidamente que tomes contacto con Adoma, el sindicato de actores de doblaje de Madrid. Ellos te guiarán mejor que nadie sobre cuál escuela es la mejor. Porque en Madrid, hay cierto grupito de ESQUIROLES con los que es mejor no tomar contacto, porque ellos no te van a acercar a la profesión, sino a la SUB-PROFESIÓN. Aquella a la que nunca han pertenecido ni pertenecerán los grandes del doblaje.

sábado, 28 de abril de 2018

PREHISTORIA DEL AUDIOVISUAL DOMÉSTICO (II PARTE)

   Pongamos que estamos en el año 2000. Las cosas han cambiado. El VHS da sus últimos cabezazos, y la mayoría de los españoles de mediana edad han introducido en sus casas el DVD, los ordenadores y  comienzan a descargar películas y música. Pero vayamos por partes.

La Culpa no fue de la Chacha, sino de....¡La Informática!

  La informática comenzó a capitanear lo que podría llamare Revolución Digital. Pero también esa parte tuvo su prehistoria. Los ordenadores del año 2000 no tenían discos duros de tanta capacidad como los de ahora, ni muchísimo menos. En 1998 los ordenadores se servían con 8 gb de disco duro, y para comienzos del siglo XXI con 25 o 30 (en el mejor de los casos). Esto, y la llegada del obsoleto dvd propiciaron que las personas empezasen a tomarse en serio eso que ahora se hace de ver lo que uno quiere cuando uno quiere.

   Sin embargo, no eran los tiempos de la fibra, ni mucho menos. Las primeras conexiones de Internet en generalizarse en nuestro país eran las líneas RDSI. Se trataba de unas líneas cuyo cable (¡EL DE TELÉFONO!) iba conectado a un aparato llamado módem, que iba conectado al ordenador por el tipo de cable antes mencionado. ¿Desventajas? las siguientes:

1-Que cuando navegabas por Internet no se podía usar el fijo en tu casa
2-Que eran más lentas que el caballo del malo
3-Que no permitían conexión wifi (no se había inventado)
4-Que eran líneas con la tarifa plana reducida: si navegabas en un día de diario entre las 8.00 y las 18.00 la factura echaba humo, ya que esas tarifas solo se aplicaban durante todo el fin de semana o, en el caso de días de diario, entre las 18.00 del mismo día y las 8.00 del día posterior.

   Eran tiempos de risa. Los mp3's casi no existían como reproductores, en su lugar usábamos unos aparatos llamados Discman, que no eran otra cosa que lectores portátiles de cd's. Los más afortunados hemos llegado a comprar discmans que leían archivos mp3, para lo que tenías que meterles cd's grabables con archivos de ese tipo (en los cuáles no cabían más de 700 megas por cierto). Era común ver a todos los mortales con bandoleras fabricadas ex profeso, en las que por una parte metías el discman y, por la otra, los cd's o cd-r con la música que PUDIERAS. Y es que muy pocos tenían los antaño famosos Ipod, reproductores mp3 con discos duros de más de 20 gb que costaban casi 300 euros.



bandolera discman
Bandolera de un discman


   Lo mismo pasaba con los dvd's. Hoy en día puedes ver cualquier película en un smartphone con calidad hd, fullhd e incluso 4k. Pero en aquél entonces, el que quería cine "andante", se tenía que comprar un dvd portátil. Eran lectores de dvd provistos de una pantalla (¡SD!) de, como mucho, 7 pulgadas.Eso, por no hablar de la batería, que NUNCA DURABA MÁS DE TRES HORAS. Ya os podéis imaginar cómo llevábamos las películas.



dvd potátil
DVD Portátil
    Estas limitaciones también se aplicaban a las descargas de películas y música. Es desternillante mencionar que, en aquellos tiempos, películas que no ocupaban ni 1 gb tardaban DÍAS ENTEROS en descargarse, y que descargar cuatro canciones en una sola noche (con el WinMX, nada de Emule, ni Ares ni Bittorrent..) ¡era toda una hazaña!

   Eran los tiempos de los archivos avi. Si pretendías descargarte un archivo avi (o divx) te tirabas, en el mejor de los casos, un día entero. Las líneas adsl eran de, como mucho, 5 megas.

Dvd de mis Amores

   Ahora estamos acostumbrados a ver películas sin cortes, en fullhd o 4k omo ya he dicho. Pero el dvd tuvo sus comienzos, y no fueron fáciles para el aficionado. Los primeros ordenadores que llevaban lector de dvd no traían grabadora de ningún tipo, y las grabadoras de dvd (¡que San Netflix me perdone!) costaban unos 900 euros más o menos. Por todo ello, la gente copiaba sus dvd's...¡en cd's!. ¿Cómo lo hacían? Sacrificaban el dolby digital 5.1 y el DTS, comprimían la película un montonazo y se cargaban también los extras, menús, subtítulos y todo lo habido y por haber. Pero, con todo y con eso, los archivos resultantes pesaban, casi siempre, más de un giga. ¿Solución? Dividir el archivo en dos partes y grabar cada una en un cd distinto, con la consecuencia de que, para ver una película completa, tenías que cambiar de disco a mitad del metraje (y luego alguno dice que cualquier tiempo pasado siempre fue mejor...¡tócate las narices!).

   Hoy en día basta con tener programas como el VLC Player con el fin de poder disfrutar de bandas DTS en los ordenadores, y, a día de hoy, prácticamente todos los televisores descodifican estas bandas, pero...¿qué pasaba antes?

    Si querías DTS tenías que tener un home cinema OBLIGATORIAMENTE. ¿Porqué? porque muchas veces, los lectores de dvd incorporaban lector de bandas dts, PERO NO DESCODIFICADOR DE ESTAS BANDAS, con lo que lo tenías que conectar vía spdif a un receptor que hiciera la labor. Otra opción era la de comprar un dvd con descodificador de Dolby Digital y DTS y seis salidas rca que iban conectadas a un AMPLIFICADOR Dolby Digital Ready, que solamente se encargaba de amplificar la señal. Y tampoco había alta definición en el sonido...era definición estándar.

Modas, Modas, Modas

   En los albores del vídeo doméstico, las películas se veían en unas condiciones malísimas impuestas por las distribuidoras. Me explico. En 1987, muchos cineastas firmaron el llamado Manifiesto de Barcelona, con el cual pretendían que las distribuidoras hicieran que las películas llegasen al público como fueron concebidas, es decir, entre otras muchas cosas, con la relación de aspecto y la duración con que fueron estrenadas en salas. Pero muchas distribuidoras seguían sin cumplir esas dos condiciones tras haberse firmado el manifiesto, el cuál, en España, se tradujo en una ley que, sin embargo, se incumplía sistemáticamente. 

   Por aquella época, todas las distribuidoras y canales de televisión aplicaban a la inmensa mayoría un invento que ellos usaron para fines cuestionables: el Pan and Scan. ¿En qué consiste? Vamos a remontarnos al nacimiento del Cinemascope para explicarlo.

   En los años cincuenta, la televisión amenazaba con dar al traste con los millones que los estudios de Hollywood estaban consiguiendo, y se pusieron manos a la obra para crear sistemas con los que atraer al público a las salas. Uno de estos se basa en una lente llamada Hipergonar, creada por el científico francés Henry Chrétien, y cuya patente él vendió a la Fox, quien bautizó al nuevo invento con el nombre de Cinemascope. Durante su lanzamiento fue considerado uno de los mejores sistemas de imagen y sonido que se habían inventado, pero tenía un talón de aquiles: sus dimensiones no se correspondían con las de las televisiones.

    De este modo nació el Pan and Scan, un procedimiento con el que se cortaba la imagen de cualquier película hasta hacer que se corresponda con la de las televisiones. Esto supone una gravísima alteración de cualquier película, porque con el Pan and Sacan se pierde (en el mejor de los casos) un 15 por ciento de la imagen original, pudiendo llegar en algunos casos al 50 por ciento. Tuvo que llegar el dvd para que las distribuidoras empezasen a erradicar la práctica de cortar la imagen de las películas.
Pan adn Scan
A la izquierda un ejemplo de imagen sin cortar, a la derecha la misma imagen con el Pan and Scan
Para Finalizar

    A principios del siglo XXI llegaron la TDT, las emisiones en Alta Definición, la Fibra Óptica, y el no va más de los novamases, las plataformas de streaming y el 4K. Lo reconozco: en su día fui reticente a estas plataformas, pero, de momento, hay dos que parten el pastel: Netflix y HBO. Y todo ello, unido al hecho de que ya se pueden descargar legalmente discos de Amazon (que ha arrasado en España) me hace pensar (y creo que el tiempo me dará la razón) que, tal y como se están extendiendo y mejorando las conexiones de Internet, EL FORMATO FÍSICO DESAPARECERÁ TARDE O TEMPRANO, ya que, estemos donde estemos no tendremos que recurrir a los discos láser (cd, dvd y blu ray) para ver y escuchar lo que nos dé la gana, cómo y cuando nos dé la gana (algo cada vez más común entre los que somos veteranos inmigrantes digitales, pero no tan común en aquellos viejecitos -dicho con afecto- que vivieron esta revolución demasiado tarde). Sacad vuestras propias conclusiones. En versión original.

martes, 24 de abril de 2018

CON IRENE EN EL CORAZÓN


  Jesús Olmedo locutor de radiom dijo hace tiempo que los actores de doblaje no mueren. Y, en gran parte, tiene razón. Aunque la profesión se haya visto marcada por cinco decesos en este mes. Cinco han sido los maestros que nos han dejado: Eduardo Moreno, Jose Antonio Ceinos, Diego Martín, Pepe Mediavilla y la traductora y empresaria Nelly Manso de Zúñiga.

Una Pionera Entre Pioneros

   Todos los actores antes mencionados (así como sus numerosos coetáneos) amaron y respetaron el legado dejado por una figura pionera en la labor de las mujeres al frente del doblaje: esa gran y mítica dama del doblaje que siempre será Irene Teixidor Mendo, o, como todo el mundo la conocía, Irene Guerrero de Luna.



Irene Guerrero de Luna


   Doña Irene fue una de las primeras actrices de doblaje de nuestro país, labor que empezó en los estudios parisinos de la Paramount a las órdenes del mítico Luis Buñuel. No fue hasta el nacimiento de los primeros estudios de doblaje en España que Irene se volvió a Madrid, donde además de actriz de primerísima fila fue la primera mujer en traducir, adaptar y ajustar diálogos y dirigir doblajes (labor que realizó en Fonoespaña, presididos por el empresario italiano Hugo Donarelli Dobici).

  Tuvo el privilegio de ceder su talento y sus cuerdas vocales a actrices como Claudette Colbert, Tallulah Bankhead, Marlene Dietrich y Bette Davis. No obstante, y que me perdonen los más puntillosos, generaciones como la mía (del 84) la recordamos especialmente por su trabajo doblando a Estelle Getty en esa serie icónica llamada “Las Chicas de Oro”, cuyo director de doblaje (Víctor Agramunt) fue también uno de los premiados en la gala de la que hablaremos a continuación.

Lo Que el Atril Se Llevó

  La escuela de doblaje de Madrid ha ideado la excusa perfecta para reunir a todos los profesionales del doblaje y, de paso, dar el merecido reconocimiento a todos los miembros en activo de la vieja guardia del arte de prestar voces. Y esa excusa son los Premios Irene.

   Se trata de premios que, en su primera edición, no han tenido carácter competitivo, y que sirven para honrar a la profesión como lo merece.

   Las actrices y actores premiados fueron Ana María Simón, Pilar Gentil, Selica Torcal, Víctor Agramunt, Jose Ángel Juanes, Javier Franquelo, Eduardo Moreno (D.E.P), Claudio Rodríguez, Héctor Cantolla y Juan Logar. Por otra parte también se premió la labor del gran técnico de mezclas Alberto Herena, de la traductora y empresaria Nelly Manso de Zúñiga, a la propia Paramount Pictures por la invención (por parte de dos de sus ingenieros, Jacob Karol y Edwin Hopkins creo recordar) del doblaje, a Maria Teresa Vázquez (encargada de producción de muchos doblajes) y al estudio Tecnisón.

   Los hijos de Eduardo Moreno recogieron emocionados el premio que iba a recoger su padre, mientras que Ana Arbona –directora general de Tecnisón- hizo lo mismo (de la mano de Miguel Sigueros) con el premio a Tecnisón, que –en realidad- es un premio a su padre (D.E.P), el empresario José Luis Arbona. El premio dado a Nelly Manso de Zúñiga fue recogido por su hija, Elena de Maeztu (también estaban presentes en la gala Ramiro-hijo de Nelly, traductor y director de doblaje- y la mujer de Ramiro, Luisa Ezquerra, también actriz y directora). Por otra parte, fue la supervisora de doblaje Natalia Pérez la encargada de recoger el premio concedido a Paramount. Juan Logar recogió de manos de su hijo su propio galardón.

  A la gala no faltaron otros directivos y ex directivos del mundo de la sonorización como Jordi Daura (de Sonygraf), Renata Merino y Manolo García (ambos fundadores de los estudios 103 Todd Ao) y Pedro Summers, gerente de los estudios 103 Deluxe.

  La ceremonia contó con actuaciones musicales, fragmentos de películas e incluso imitaciones humorísticas. El maestro de ceremonias no fue otro que el gran Juan Luis Cano, quien en un momento dado conectó via Skype con su compañero de Gomaespuma Guillermo Fesser.  Hay que mencionar   que fue un evento a beneficio de la fundación que ambos presiden.

  El Teatro Príncipe Gran Vía (que dirige el actor y director de doblaje Alberto Closas) estuvo copado por lo más selecto de la profesión del doblaje madrileño, aunque tampoco faltaron a la cita algunos alumnos de doblaje movidos por su pasión por el arte de llenar de magia los atriles.

  Otro de los logros de la organización es haber contado con la participación desinteresada del tristemente fallecido Antonio Fraguas “Forges”, quien diseñó el modelo del premio, ya quien se le dio merecido reconocimiento por toda su trayectoria.

  Sin ninguna duda, la primera gala de los Premios Irene alcanzó altísimas cotas de emotividad, respeto y amistad. La camaradería se respiraba en el ambiente, y si ya de por sí la entrada al teatro estaba concurrida, la apoteosis vino, para muchos, en la salida.

  Otra de las premiadas que contó con la absoluta simpatía del público fue la gran Pilar Gentil. Además de toda una estrella es la viuda del mayor genio del doblaje madrileño, el incomparable Angel Mari Baltanás, y  hace una labor tan admirable como la de su difunto,  al que la mayoría de profesionales y aficionados al doblaje profesamos devoción absoluta.

   Los detractores del doblaje pueden decir lo que quieran, pero hay una verdad irrebatible respecto a la forma de ver cine: el doblaje posee y poseerá siempre una emotividad que los subtítulos no lograrán nunca, ya que algunas de las voces que escuchamos en nuestra infancia quedarán para siempre grabadas en nuestra memoria “audio-emocional”.

viernes, 16 de marzo de 2018

¡ROMPE ESTIGMAS, RALPH!


   Disney es una de las compañías más prolíficas en el campo de la animación, lo cuál es un mérito por muy obvio que sea. Podemos entrar en disquisiciones sobre si sus películas son beneficiosas para la infancia o no, pero (qué queréis que os diga) no seré yo quien tome posiciones radicales en este tema, porque si bien han realizado películas éticamente devastadoras, no es menos cierto que también las han hecho con unos escrúpulos y una psicología que pocos creadores tienen.

  Lejos quedaron ya los tiempos de Mickey Mouse, Minnie y el Pato Donald (entre otros personajes). Siguen siendo conocidos, pero no hacen el furor que hicieron en los tiempos de la RKO (hay que decir que Disney no tenía inicialmente distribuidora propia, era la citada compañía quien distribuía inicialmente sus cortos y filmes).

  Lejos quedaron ya los tiempos de la moralina ultraconservadora de algunos de sus filmes. Ahora buscan mensajes más integradores, y hay una película que, en esto, se lleva la palma: ¡Rompe, Ralph!.

A la Caza de los Prejuicios

  La película nos cuenta la historia de un personaje de videojuegos que no es respetado, sino temido, por ser un villano. Un villano que detesta la etiqueta de “malo”, un personaje con un corazón de oro puro que es sistemáticamente apartado del resto de personajes solamente por tener una etiqueta. Como pasa con tantos colectivos en el mundo.



   La meta inicial de Ralph es conseguir ser respetado y aceptado después de conseguir una medalla, pero hay un personaje igualmente inocente y bondadoso, de nombre Vanellope, que se interpone en su camino. Se trata de una chiquilla atrevida y valiente que desea dejar de parpadear, para lo cual tiene que ganar una carrera. Ralph, por otra parte, intentará ayudarle en lo posible.

Voces de Oro

   El doblaje al castellano cuenta con magníficos actores que han puesto un sello inconfundible a sus personajes. Quisiera mencionar la estupenda labor llevada a cabo por Salvador “Patxi” Aldeguer (padre del actor Nacho Aldeguer) y a la no menos competente Sandra Jara (en este caso de casta le viene al galgo, porque su hermano es Iván Jara –Dexter- y su madre es la gran Amelia Jara).


viernes, 23 de febrero de 2018

EL HOMBRE COMPROMISO



  En tiempos tan duros como los que corren, es necesario todavía recordad cómo algunos hombres fueron, tal vez sin pretenderlo, la conciencia política y social de Hollywood. Sin embargo, he de hacer aquí un paréntesis: pese a lo que muchos creen, Hollywood nunca ha sido una máquina de hacer talento, sino de ABSORBERLO Y EXPORTARLO.

  Algunos de esos talentos –diez más exactamente- fueron a parar a la cárcel debido a que sus posiciones políticas no eran del agrado de los sectores más ultraconservadores de la época, en un proceso que duró más de diez años y que se dio en llamar “La Caza de Brujas”. No voy a dar nombres de los culpables porque el tiempo, así como la sensibilidad de algunos actores y cineastas, ya les han puesto en su sitio. En el único sitio que merecen.

Bryan Cranston como Dalton Trumbo

  Aquellos talentos que fueron a la cárcel son y serán siempre conocidos como Los Diez de Hoyllwood. Su historia está representada por el retrato cinematográfico que se ha hecho de uno de ellos, el gran Dalton Trumbo.

Guionista a tus Guiones

  Aquél período vital de Dalton Trumbo ha sido reflejado en “Trumbo; La Lista Negra”. Habla de aquél guionista empecinado en echar abajo aquella lista de guionistas que, si bien no trabajaban de manera oficial, sí lo hacían de manera oficiosa, y Trumbo fue uno de ellos.

  El filme tiene como telón de fondo los tiempos previos al rodaje de Espartaco, obra magna de Kirk Douglas para la que Trumbo trabajó adaptando la novela del mismo nombre, escrita por Howard Fast. Una película que significó, en la práctica, el derrumbe de aquella lista negra que tanto sufrimiento conllevó.

  El personaje protagonista fue interpretado por el gran Bryan Cranston, actor de raza donde los haya. A él se le suman actores como Diane Lane, Michael Stuhlbarg, John Goodman, Adewale Akinnuoye-Agbaje y Helen Mirren.

   La película ahonda en los problemas personales y laborales que ciertos personajuchos provocaron, y que hicieron del mccarthismo una época de aberrante pesadilla para quienes padecieron el odio de los ultraconservadores. Un odio que se extendía como una mancha de aceite.

  Este largometraje es el retrato fiel de los luchadores sociales y de cierta gente sin escrúpulos, gente con un concepto estúpido del patriotismo. Es la esperanza de que en todo pajar hay una aguja.

sábado, 17 de febrero de 2018

EL QUE RÍE EL ÚLTIMO RÍE MEJOR

  Hay algo –no sé porqué- que distingue claramente a los anglosajones y a los judíos de otros colectivos. Es algo intangible que revoluciona el mundo, y que puede tener efectos memorables o catastróficos (según se vea). Eso –que provoca tantos cambios globales- no es otra cosa que el carácter emprendedor.

  Tal carácter no se manifiesta a primera vista, ni sale a relucir a las primeras de cambio, pero es un síntoma de que, quien lo tiene, posee un caudal inagotable de talento. Tal es el caso de un señor llamado Reed Hastings.

  A muchos os sonará a chino este nombre, pero seguro que os suena la segunda empresa que fundó: Netflix. Sí, así es.


  Todo comenzó un buen día, cuando la extinta cadena de videoclubs Blockbuster cobró a Hastings 64 de los actuales euros por perder una copia en vhs de Apolo XIII. A Hastings se le cayó la cara de vergüenza, pero el mal trago le sirvió para concebir una idea revolucionaria: un servicio de tarifa plana de alquiler de películas.




Reed Hastings






  Hastings envió un dvd por correo postal, y, al comprobar que había llegado correctamente, dio rienda suelta a la aventura. Pero no debió quedar totalmente satisfecho con el alquiler de dvd’s. Hastings es informático de profesión, y sus conocimientos (así como la existencia de Youtube) le valieron para darse cuenta de que podía servir películas en streaming con la compresión adecuada. Y siguió adelante con la idea.

  Los grandes estudios, viendo que no podían combatir el ingenio de Hastings, se sumaron a la aventura, y, como prueba de que el que ríe el último ríe el mejor, Blockbuster cerró.

  Los primeros años de Netflix fueron, sin embargo, duros. No es ningún secreto que en esa época esta empresa arrojaba pérdidas. Pero Hastiings y su socio, Marc Randolph, no tiraron la toalla. Y comenzó una expansión que –seguramente- sigue hoy en día.




















Netflix y Olé.

  La compañía fundada por Reed Hastings y Mark Randolph llegó a España a finales del año 2015. Pese a que su catálogo era todavía algo escaso, las tarifas que inicialmente establecieron prometieron éxito. Nos quedamos muy cortos aquellos que pensamos que el invento podía despegar en nuestro país, y es que las tarifas son, sencillamente, irresistibles.

  En la época en la que Netflix llegó a España empezó el auge de las plataformas de televisión de pago, pero el streaming no acababa de despegar. ¿Por qué? Porque los servicios de streaming que había por aquél entonces en suelo patrio no solamente carecían de tarifas planas, sino que cobraban los alquileres a precios abusivos que hicieron que no pudiesen competir con las descargas gratuitas. Y fue precisamente este hecho el que beneficia a Netflix respecto a los otros servicios.

   Netflix ofrece varios planes a los que los usuarios podemos inscribirnos. El primero de ellos (básico) cuesta 10 euros, y te permite ver los contenidos en un solo dispositivo, con calidad sd. El segundo (al que un servidor se abonó inicialmente) da calidad full hd y permite el visionado en dos dispositivos, costando 12 euros, y el tercero (que da calidad UHD) se puede ver en cuatro dispositivos, costando 14 euros.

  Probablemente sea este último el más contratado, por una razón muy sencilla. La inmensa mayoría de los jóvenes de hoy no vemos la televisión en abierto, y los operadores de telefonía suelen ofrecer sus servicios de tv de pago siempre y cuando se contrate la fibra con ellos. Esto quiere decir que si deseas acceder a contenidos variados y de calidad tienes que gastarte –mínimo- sesenta euros al mes. Pero muchos han solventado este problema con Netflix. ¿Cómo? Muy sencillo.
 
   A Netflix no le importa que compartas tu cuenta con otras personas, que es lo que muchos abonados hacen. Allá va un ejemplo. Has contratado el servicio de 14 euros de Netflix, y tres de tus amigos desean también acceder a su catálogo. En vez de abonaros los cuatro te abonas tú solo, pero los otros tres te ayudan a pagar tu suscripción a condición de que les facilites los datos para poder acceder ellos también con la cuenta que tú tienes. Esto es sabido por los propietarios de Netflix, y si no les importa es porque saben que, probablemente, alguno de los amigos con los que compartes tu cuenta terminará por abonarse él también.

  Por otro lado, Netflix es una fuente inagotable de muestras de talento. ¿Por qué? Netflix no solamente produce contenidos propios en Estados Unidos, sino en todos los países en los que está, y los distribuye a todos sus usuarios (con versiones dobladas y subtituladas a diferentes idiomas). Es el caso, por ejemplo, de Las Chicas del Cable, que Netflix produce en España (en castellano) y distribuye en todo el mundo (doblada al inglés, italiano, francés y alemán, y subtitulada a, inglés, francés, árabe y rumano). 

   Todo esto se resume en algo que, al igual que una conclusión, será una realidad palpable: los soportes láser tienen los días contados. Mal que nos pese. 

domingo, 4 de febrero de 2018

LA PROFESIÓN DE LOS SENTIMIENTOS

Lo recuerdo perfectamente. Era solo un niño de diez años o menos cuando me sentaba frente al televisor, apagaba las luces, encendía una linterna imaginándome que era un proyector, y me sentaba -estando en pijama- a ver cualquier comedia de los Hermanos Marx, o cualquier película del momento. Eso era, para mí, la felicidad. Eso, y el señor Spielberg, me hicieron creer que quería ser director de cine.

Quería averiguar todos y cada uno de los entresijos técnicos que envuelven a cualquier producción de Hollywood. Devoraba todos los así se hizo -antes de que todo el mundo los llamase Making Of- y me tragaba cantidades industriales de cine clásico. El celuloide y su amiga la cinta magnética me atraparon. Pero, con el tiempo aprendí que todo eso podía disfrutarlo en mi propio idioma gracias a unas personas, totalmente anónimas, que hacían que yo disfrutara como un loco de todas las películas que pasaban por mis ojos. Hablo de los actores de doblaje. Más concretamente, hablo de los actores que se dedicaban al doblaje en el período comprendido entre los años cuarenta y ochenta. Aquellos que formarán para siempre parte de mi memoria auditiva, porque ya formaban parte de la memoria auditiva de mis padres.

Ellos son los culpables de una cosa: que yo quiera dedicarme al doblaje. Si los subtítulos no me han hecho sentir nada, ellos me han hecho emocionarme y sentir. Y de esto último, de los sentimientos, los actores de doblaje son plenos conocedores, como espero serlo yo. La interpretación en general es el arte de los sentimientos y las emociones, y lo digo sin dictar cátedra. Pero es que, el doblaje, además de todo eso, es el arte de pasar desapercibido en una obra audiovisual, o…¿acaso es posible?

Muchos profesionales del doblaje piensan que si te das cuenta de que la película está doblada, es por que está mal doblada. En efecto, si te pasas todo el metraje pensando en el doblaje, lo más probable es que este sea una bazofia. Pero no siempre es así. Y esto me lleva a recordar la primera vez que vi ese gran clásico de Billy Wilder que es “Uno, Dos, Tres”. No conocía ninguna de las voces que intervenían en esta película (salvo las de José Guardiola, Paco Sánchez e Irene Guerrero de Luna), pero desde el primero momento quedé prendado de la voz del actor que doblaba al protagonista, interpretado magistralmente por James Cagney. Hablo (sin quitar méritos ni ánimo de despreciar a nadie) del mejor actor de doblaje que hemos tenido en Madrid: el mítico Ángel Mari Baltanás.
¿Qué condiciones tenía Angel Mari Baltanás para ser un mito de los atriles? Muchas, pero quiero destacar tres que son absolutamente imprescindibles. La primera es que ERA UN EXCELENTE ACTOR, y la segunda es que ERA UN MAESTRO PEGÁNDOSE AL ORIGINAL. El actor de doblaje, el que lo es de verdad, engaña al público poniendo sus emociones al servicio de un actor que ya ha interpretado el papel, y se pega muy bien a la interpretación del actor al que dobla, para lo cual es absolutamente imprescindible escuchar al actor al que doblas antes de grabar tu intervención. Y la tercera, es que tenía una muy buena dicción, cosa que, como la sincronía, se puede trabajar. ¿Piensas que hay que tener necesariamente buena voz? definitivamente, NO. Los puntos importantes los he enumerado antes, la voz es algo secundario que te condiciona el tipo de papeles que te den, pero, si no eres actor, no puedes dedicarte al doblaje porque lo que cuenta es lo que transmites con la voz.

Los problemas que aquejan al doblaje vienen por otros derroteros. En los años setenta, los estudios de doblaje sabían que todos sus doblajes eran de calidad, y sus gerentes se involucraban mucho en el proceso de doblaje. Evitaban amiguismos, y la profesión del doblaje vivía su época de oro, pero…¿qué pasó? Pasó, entre otras muchas cosas, que las gerencias de renovaron, y, desde entonces, los empresarios -o, mejor dicho, las grandes multinacionales- del sonido ven los doblajes como un producto barato que está hecho para hacerles ganar dinero. Eso es, al menos, lo que creo.
Es por todo lo expuesto anteriormente que, si algún día me escuchas doblando un taquillazo -y espero que llegue ese día- y te gusta mi trabajo podrás agradecérmelo si lo deseas. Estaré encantado de hacerte pasar un buen rato, o por lo menos, hacer que te emociones. Pero -y esto lo digo con el corazón en la mano- agradéceselo a aquellos que están o han estado desde mucho antes que yo. Porque la culpa de que me escuches también será de ellos.



Hermanos Marx
Groucho diría lo siguiente:”La parte contratante que nos ve disfruta de mi labia gracias a Jose María Ovies. ¿Qué tal? Está muy bien, ¿eh?”

jueves, 1 de febrero de 2018

Déjame Que Te Cuente, Peruano

  Muchos ciudadanos creen que amar as un país es haber nacido en este, haber alzado las armas "a favor del mismo" o maltratar e intentar aniquilar a todos los extranjeros que viven en dicho país. Pero, como no hay más ciego que el que no quiere ver, es obvio que tienen la misma inteligencia y lucidez que una hormiga (lo cuál es un insulto para las hormigas).

  Esto lo ha comprendido un gran cineasta, el uruguayo Luis Ara Hermida, quien nos ha presentado un documental. Un documental en el que no se limita a glosar las excelencias de un país, sino en exigir al respetable (indirectamente) que cambie sus conductas en favor de la naturaleza del mismo. Hablo de un impecable documental, el que visualmente más me ha impactado de todos cuantos he visto; hablo de "Perú, Tesoro Escondido".







Un Tesoro en Sudamérica

  Perú es un país dividido en tres grandes regiones: Costa (lugar preferente de residencia de la población afroperuana), Sierra (donde todavía viven los descendientes de los Incas) y selva (donde habitan las más diversas criaturas que uno pueda encontrar).

  Luis Ara nos demuestra que no hace falta ser peruano para amar al Perú: la prueba de ello es la portentosa fotografía y el impecable ritmo narrativo que ha impuesto a este largometraje, poblado de planos cautivadores que rezuman sabiduría y buen hacer técnicos.

  El contenido es también destacable. No en vano, hasta hace poco un servidor no sabía que el surf tiene tanta devoción en el país andino, ni que todavía persisten -¡afortunadamente!- milenarios rituales amazónicos capaces de llegar a donde la medicina común no llega.

   En esta maravilla podemos observar con curiosidad la ingente fauna que puebla la selva peruana, y conocer algo más de la gastronomía de este país.

  Netflix ha tenido la inteligencia de distribuir este documental en su plataforma, y eso da buena prueba de su tino y su visión comercial. Que sea así por muchos años.

miércoles, 31 de enero de 2018

LAS VOCES DEL ALMA

La infancia es, por lo general, la etapa más feliz de todo ser humano. Salvo excepciones, los niños se ven envueltos en un ambiente feliz y dulce, en el que la cultura audiovisual tiene un lugar preponderante. Los niños se ven reconfortados por voces que formarán parte para siempre de su memoria auditiva, más aún porque algunas de esas voces también fueron parte de la memoria auditiva de sus padres. Esto parece haberlo comprendido perfectamente la escritora segoviana Cat Yuste, así como el actor de doblaje Carlos Moreno Palomeque, quien ha utilizado el concepto de familia artística como excusa para que nos emocionásemos en ese evento imprescindible para todo amante del doblaje que es El Poder de la Voz.  Esta vez los protagonistas de este evento han sido algunas familias del doblaje. Y son las siguientes:

-Héctor y Gustavo Cantolla, padre e hijo. El primero es la voz de infinidad de actores, pero es especialmente conocido por ser la voz de Terence Hill y de Sandokan. Gustavo, su hijo, aprendió la profesión de otros de los grandes, José Padilla, y se está abriendo camino gracias a una serie llamada Duda Razonable.



IMG_0368th="2813"] Héctor Cantolla (izquierda) y su hijo Gustavo (derecha)

-Miguel Ángel y David Jenner, padre e hijo respectivamente. Miguel Ángel es, además, padre de la gran actriz Michelle Jenner. Fue cantante, presentador de televisión y director de doblaje de películas como La Vida es Bella, Pulp Fiction o la saga El Señor de los Anillos. Es, asimismo, la voz de Samuel L Jackson. Su hijo David es la voz de Samsagaz Gamyi en la saga anteriormente citada, siendo voz habitual de Sean Astin.



IMG_0389 Miguel Ángel (izquierda) y David Jenner en un emotivo momento


-Sandra e Iván Jara: son hermanos, e hijos de la gran actriz y directora de doblaje Amelia Jara. Empezaron en la profesión de la mano de su madre, quien les llevaba al estudio los sábados. Iván es voz habitual de Joshua Jackson, Michael C. Hall, Breckin Meyer y Simon Helberg (Leonard de The Big Bang Theory).



IMG_0398 Sandra e Iván Jara


Las emociones coparon el acto. Ni una molesta mosca que hizo que Jesús Olmedo (maestro de ceremonias e inconfundible voz clásica de cabecera de Antena 3) se acordase de todo lo recordable ni el regidor en que espontáneamente se convirtió el padre de uno mismo hicieron que el público perdiese ni un ápice de placer.

IMG_0352
Jesús Olmedo




IMG_0386
Gracias a Olmedo y al equipo que desarrolló el evento, por el aire limpio y pacificador del Teatro Victoria se colaron la aureola y la sombra de Constantino Romero (de cuyo nacimiento se cumplieron 70 años), quien sin estar vivo nos conmovió y remeció como solo las voces y personas legendarias pueden hacer. Decía Olmedo que los actores de doblaje nunca mueren. Y es verdad. El recuerdo de Constantino y las grandes voces de los grandes maestros de la profesión nos acompañarán por siempre, y guiarán por siempre a las futuras generaciones del doblaje por el sendero luminoso por el que hemos escogido caminar de su mano. Ojalá nosotros, las futuras generaciones del doblaje, produzcamos el mismo sentimiento.

¡QUE VIVAN LOS SPOILERS!

El pasado fin de semana tuvo lugar una de las citas más importantes que tiene Madrid. No se trata de ninguna cita deportiva ni política; es una cita cultura. Una cita cultural con la que cualquiera puede sentirse identificado: el festival de series Movistar Plus, o lo que es lo mismo, el Spoilerfest.

Se trata de una cita que se viene produciendo desde hace nueve años, a la que muchos acuden religiosamente tras su primera puesta en marcha. Lo prometido no es para menos. Los asistentes al citado festival pudimos disfrutar de toda una serie de talleres, coloquios y visionados que hicieron las delicias de los adictos a las series.

Uno de los talleres que tuvieron lugar y que deben ser destacados es el taller que 103 Deluxe ofreció sobre el doblaje de la célebre serie Rick y Morty. Al acto acudieron Beatriz Escudero y Pedro Summers (directora de producción de 103 Deluxe y gerente del estudio respectivamente), Santiago Aguirre (director y adaptador de doblaje de esta serie) y los actores encargados de doblar a los protagonistas, Rodri Martín y Txema Moscoso.

Todos ellos estuvieron hablando de su profesión. Tuvieron la gentileza, además, de dejar que dos parejas del público demostrasen sus habilidades frente al atril con dos takes (fragmentos de 20 segundos) de esta serie. Una curiosidad: aunque su director de doblaje (Santiago Aguirre) no se prodigue frente a los micrófonos, sí lo hizo de joven; fue miembro de los grupos musicales La Pandilla y Tradición, y fue durante ocho años miembro de The Walt Disney Company Iberia.



IMG_0335
De Izquierda a derecha Pedro Summers, Beatriz Escudero, Santiago Aguirre, Txema Moscoso y Rodri Martín

Por otra parte, los adeptos a las series pudieron acudir a coloquios como el referente a Velvet Colección, al que asistieron algunos miembros del equipo con el fin de presentar la serie y responder preguntas del respetable.


IMG_0344



Estos fueron los miembros del equipo de Velvet Colección que acudieron a su cita con el público.

IMG_0348


    También estuvo presente la actriz Mónica Cruz, quien habló del personaje que interpreta en esta ficción.

LA CAÑA DULCE DE LOS ANCESTROS

No hay nada más dulce y sentimental que el canto de los ancestros y sus descendentes latinoamericanos. No importa de dónde se sea ni qué características culturales se tienen cuando se desentraña esta verdad. La cantante peruana de raíces africanas Susana Baca -la que en buena hora se acercó a un escenario- se ha dado perfecta cuenta. Mejor dicho, se dio perfecta cuenta nada más empezar en el mundo de la canción. Y lo ha transmitido con todo el calor en su último disco, Lo Africano en el Perú; El Amargo Camino de la Caña Dulce.



Susana Baca


A La Búsqueda de las Raíces Propias

   Susana Baca nació en una época en la que la música de raíz negra no estaba bien vista en el Perú. Su difusión podía ser usada como arma arrojadiza para desprestigiar al intérprete, como hizo -si mal no recuerdo- un piloto brasileño del que se divorció esa Gran Dama de la música afro peruana que fue Chabuca Granda.

Dados estos antecedentes no era de extrañar que a Baca le llegase la música negra por voces extranjeras como la de Celia Cruz. Una vez descubierta la música de sus ancestros no dejó de difundirla. Y ha recogido plenamente los frutos de su labor: le saludan un Latin Grammy y un montón de giras por todo el mundo.

Por lo demás obtuvo en la Universidad de La Cantuta el título de Educación, y fue miembro del consejo de ética de Proética, ONG peruana dedicada a luchar contra la corrupción y promover la ética. Además, fue ministra de cultura con Ollanta Humala.

Desde Dentro

El disco se compone se ritmos de raíz indígena, africana y española como la marinera (No Quiero que a Misa Vayas), el tondero (caso de De España nos Llegó Cristo) y la habanera (Cañaveral), netamente africanos como el festejo (Avelino Luna) y el Landó (Hablan Los Negros), criollos (como el vals peruano Mi Primera Elegía), e indígenas (como el huayno en el caso de Despedida de la Virgen del Carmen), a los cuales se les ha agregado una copla (caso de Copla de la Luna).

Los Instrumentos

   En este disco no podían faltar los instrumentos peruanos de origen africano. Y no me refiero solamente al cajón (que no es español..¡fue inventado por los esclavos negros que llegaron al Perú!), sino a la quijada de burro, la marimba (especie de xilófono de raíz africana que penetró en América por Ecuador y que hoy es usado, sobre todo, en América Central y en el ecuatoriano Valle del Chota, valle habitado por afroecuatorianos) y, si el oído no me falla, la cajita (especie de caja que tiene una apertura en la parte superior con la que el músico abre y cierra rítmicamente el instrumento a la par que golpea con un palo uno de los costados).

Para Terminar

  Se dice -como tópico- que los negros llevan el ritmo en la sangre. En el caso de Susana, ella no lleva solamente ritmo. Lleva también la pasión, la alegría, el optimismo, la fuerza y, al mismo tiempo, la serenidad y la elegancia necesarias para no hacer de un baile ancestral canciones machaconas con propósitos exclusivamente comerciales, como muchas veces ha visto un servidor. Si lo que pretende es dar una lección de amor por su tierra y su gente, lo ha conseguido a conciencia. Que siga así.

KUNG FU PANDA 3. Y FUERON FELICES

Lo reconozco. Tengo una debilidad por los pandas. Pero sucede prácticamente desde que vi por vez primera la primera película de la trilogía Kung Fu Panda. Sí, son películas comerciales a más no poder. Y sí, son de animación. Pero no deberíamos juzgar tan a la ligera estas películas.

Si la primera parte rebosaba optimismo por todos los fotogramas, la segunda parte no pudo ser peor. Se trató de una película gris, tenebrosa y demasiado dramática para estar destinada fundamentalmente a los niños. Una película a olvidar, en resumen. Pero estos genios de Dreamworks han hecho los deberes y han terminado la trilogía a la altura de lo que sus pequeños e inteligentes fans seguramente esperan.

Sinopsis

La tercera parte vuelve a reunir a todos los integrantes del elenco primigenio, al cuál Dreamworks ha decidido agregar al padre biológico de Po, un panda encantador que se niega a perder de nuevo a su hijo.


KUNG FU PANDA 3
Po, a la iazqierda, compartiendo un momento con su padre biológico, a la derecha


En un principio, este padre despertará los celos del padre adoptivo de Po, pero poco a poco empezarán a acercarse, al darse cuenta de que la existencia del otro es positiva para Po. Sin embargo, antes de que esto ocurra, Lee (su padre biológico) deberá llevarse a Po a la aldea donde este nació, a fin de que conozca los secretos del Chi, necesarios para derrotar al villano de la última entrega de la saga.

El Doblaje. Un Punto a su Favor

A diferencia de las tres partes anteriores, en esta -salvo en el caso de Po/Jack Black, doblado por Florentino Fernández- contaremos con las voces habituales de los actores que han prestado sus voces en versión original. Así, la tigresa -que en su versión original es Angelina Jolie- habla por la voz de Nuria Mediavilla, y el Maestro Shifu -en la versión original con la voz de Dustin Hoffman- habla por la voz de quien -con todo el respeto y aprecio al gran Joaquín Díaz- debería haberle doblado también en las otras dos entregas, Ricardo Solans.

Para Resumir

Esta es una película con una verdadera moraleja: tienes que ser tu mismo y sacar lo mejor de tí mismo. Se trata de una película para disfrutar plenamente, y es que los creadores han estado plenamente inspirados a todos los efectos para un filme que deja un estupendo sabor de boca. ¡Que aproveche!

VIAJE HACIA EL FUTURO

Una de las características que el cine tiene o debería tener es la de sumergir al espectador en mundos imaginarios basados en probables realidades. Realidades que se alejan profundamente de nuestro micro cosmos en la mayoría de las ocasiones. Y el mundo de los inmigrantes es el caldo de cultivo perfecto para esto.

Desde hace décadas, los latinoamericanos viajan en masa a los Estados Unidos abducidos por lo que ellos consideran el sueño americano. No son conscientes de que ese sueño es, para la mayoría de ellos, inalcanzable. Pues bien, es precisamente en esta realidad en la que se basa un largometraje de autor llamado "La Misma Luna".

Sinopsis

Todo comienza cuando Carlitos, un niño mexicano, celebra su fiesta de cumpleaños mientras añora el regreso de su madre, Rosario, una emigrante ilegal que cuida de niños estadounidenses mientras añora igualmente al suyo propio.

Incialmente, Carlitos vive con su abuela, madre de Rosario. Pero las cosas se tuercen cuando esta muere, momento en el que Carlitos es reclamado por la familia de su propio padre, a quien no conoce, y quien le abandonó al nacer.


La Misma Luna
Carlitos (a la derecha, interpretado por Adrián Alonso) con Enrique, su compañero de fatiga (a la izquierda, interpretado por Eugenio Derbez).


Es en ese momento cuando Carlitos decide iniciar el mismo viaje que realizó su madre, viaje que hará en las mismas deplorables condiciones en las que ella lo hizo. En su larguísimo recorrido se encontrará con toda una serie de personajes con los que veremos lo dura que puede ser la emigración en según qué condiciones.

Este filme muestra la realidad de un colectivo de hombres y mujeres desesperados que huyen, en el mejor de los casos, del hambre. Hombres y mujeres a quienes no les importa perecer en el intento de llegar a la tierra de Abraham Lincoln.

Acerca De...

Aunque este largometraje puede quedar clasificado como cine de autor, es también cierto que pertenece al realismo. Muestra el lado más descarnado de dos sociedades, la mexicana y la estadounidense, que aparecen fuertemente diferenciadas.

El personaje principal representa al latino que no se rinde, aquél a quien no le importa arriesgar la vida por sus seres queridos. Representa lo mejor de México. Es una película de visionado obligado para todo aquél que aprecie a los latinos. El que no desée verla aun leyendo estas líneas, se lo pierde. Y a los que la vean...¡buen visionado!

DISTRIBUCIÓN DE CINE EN ESPAÑA

Introducción

   Desde siempre, cuando vemos una película estadounidense, creemos que es siempre -o casi siempre- la propia productora la que la distribuye en nuestro país. ¿Siempre? ¿Compañias americanas operando exhaustivamente en el sur de Europa hace cincuenta años? No.

A España vengo, de España No Soy

Cuando España salió del aislamiento internacional, los gustos de los españoles comenzaron a inclinarse paulatinamente hacia todo lo que fuera americano. Y el Gobierno no quiso quedar al margen. Por ello negociaron con las grandes productoras cómo sería la distribución de sus películas en España, y es que la mayoría de las productoras americanas operaban en España mediante franquicias.

La única productora norteamericana que operaba en España en los años setenta era Paramount. El resto, si mal no recuerdo, eran distribuidoras españolas que, muchas veces, usaban la marca de la productora con la que habían firmado un contrato de exclusividad.

Pongamos un ejemplo. Jose Antonio Sainz fundó Warner Española en 1968, junto con otros socios. Esto significaba que él sería en exclusiva el distribuidor de la magia de la Warner Bros. Pero, no contento con detentar la exclusiva de la Warner, a principios de los años setenta fundó Incine junto con Alfredo Matas, distribuidora con la cual llevaría por toda España las películas de la 20th Fox hasta 1988, año en que fue el productor Manuel Salvador quien recogió el testigo.

Años Ochenta y noventa: yo me lo guiso, yo me lo como

Por aquellos años, las cosas cambiaron radicalmente. Las franquicias fueron poco a poco dando paso a filiales de las distribuidoras, cuyo caso de mayores proporciones fue el de UIP, o lo que es lo mismo, United International Pictures. Y es el caso que explicaremos a continuación.
El germen de esta distribuidora lo podemos encontrar en Cinema International Corporation (CIC), que comenzó a operar en España a mediados de los setenta, distribuyendo títulos como Tiburón. Esta compañía tenía como socios, ni más ni menos, que a Universal Pictures, Paramount Pictures y Metro Goldwyn Mayer (lo que significa que Metro Goldwyn Mayer Ibérica, Universal Films Española y la delegación española de Paramount iniciaron un viaje hacia el garete). Peroe hete aquí que, tras la adquisición de United Artist por parte de la Metro, La compañía pasó a tener el nombre que hoy en día tiene. Entonces...¿Porqué la Metro firmó a finales de los noventa un acuerdo por el cual 20th Fox distribuiría todo su catálogo fuera de los Estados Unidos? Sencillamente porque se deshicieron de sus acciones en UIP. Y esta última, hace pocos años, desapareció de España, lo que significó la vuelta de Universal y Paramount.

Sin embargo, desde los años sesenta hasta ahora, este pastel de la distribución cinematográfica en España ha tenido cuatro grandes comensales. ¿Quieren saber quiénes son? Allá voy.

-Casimiro Bori

Este productor catalán fundó 1940 la compañía CB Films. Este caballero vio más pronto que tarde cómo el negocio daba sus frutos, porque para los años cincuenta ya detentaba la exclusiva para España de la United Artist. Sin embargo, el chollo se le terminó cuando United Artist fue comprada por la Metro, iniciándose así el declive de su compañía.

-Antoni Llorens

Este manresano de gran inteligencia comenzó trabajando en las oficinas de CB Films y de Paramount, para después fundar el que en los años noventa sería uno de los buques insignia de la distribución en Barcelona: Laurenfilm. De primeras consiguió un contrato de exclusividad con la Golden Harvest, la productora de cine de artes marciales más importante, y años más tarde sería de nuevo golpeado por la suerte al firmar un contrato con la Miramax, oséase, con los hermanos Harvey y Bob Weinstein. Los títulos más célebres que ha distribuido fueron Cinema Paradiso, El Paciente Inglés y La Vida es Bella. Hay que mencionar aparte que fue el productor de Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios, con la que Almodóvar estuvo a punto de llevarse el óscar.

Laurenfilm

Además de productor y distribuidor, Llorens era propietario de la cadena cinematográfica Lauren Exhibició, propietaria de complejos como los Cines Imperial, Paz, Fuencarral y Laurencinemas THX Opción (en Madrid).


-Luis del Val

Del Val fue el fundador de la gran Manga Films. Inicialmente, esta distribuidora estaba especializada en Animes, pero pronto se animó a lanzar en nuestro país joyas como Crash, La Cena de los Idiotas o Gangs of New York. Poco antes de su muerte vendió Manga Films a Avanzit Media y fundó Wide Pictures, con la que distribuyó la primera parte de la trilogía de Los Mercenarios.

-Julio Fernández y Alfredo Talarewitz

Pongo a ambos en el epígrafe, ya que la historia del segundo no se entiende sin la del primero. Alfredo Talarewitz era un empresario italiano, de origen turco y etnia judía. Fundó la empresa Filmax en 1947, empresa en la que entrarían también los hermanos Balcázar, propietarios de los estudios cinematográficos del mismo nombre. Por un breve tiempo ostentó la exclusiva de Paramount, distribuyendo títulos como La Extraña Pareja. Talarewitz dejó la empresa en 1973, y a finales de los años ochenta, esta última -poseía entonces por Enrique Talarewitz, uno de los fundadores de Canal 10- fue comprada por Julio Fernández, que ya era propietario de Ivex Films.

Para Resumir

Lo que podemos deducir de lo que he intentado explicar es que las películas suelen cambiar de propietarios de derechos como de camisa. Espero haberme explicado. Por último, os pido que me corrijáis en caso de que haya cometido cualquier error (cosa muy posible), del tipo que sea. ¡Hasta la próxima entrada pichuloooss!

sábado, 27 de enero de 2018

LA PREHISTORIA DEL AUDIOVISUAL DOMÉSTICO (PARTE 1)

Sí, chicos. Ya está aquí otra vez el abuelo Tommy, contando sus batallitas. Pero hoy me he puesto nostálgico, y eso hay que remediarlo.

Hace poco tiempo apareció una página de Facebook que luego se convirtió en una de las mejores webs para quienes nacimos en la época de la EGB, pero que, por cuestiones legales, no puedo enlazar en este artículo. Y en una de sus publicaciones en Facebook apareció un artilugio que todos los que entonces éramos chavales deseábamos: las minicadenas. Esto me ha hecho recordar nuestro modus operandi cuando se trataba de poner películas y música. Incluso la tele. Por eso, voy a dividir este intento de artículo en Sonido, Televisores y Vídeos. Sí, vídeos. Porque el camino hasta el 4k ha sido largo y duro.

Sonido

Ahora cualquier chaval va por la calle con un smartphone, un iphone, torres de sonido, etc. Los menos, van con un mp3. Pero vayamos por partes.

A principios de los años noventa, los reyes de los salones de la juventud de aquella época (hoy nuestros padres) eran las minicadenas. Los modelos de entonces no se parecían en nada a los actuales. Me explico.

Para empezar, nunca iban con cd ni (¡qué cosas tengo!) con mp3, porque ni tan siquiera había ordenadores en la mayoría de las casas. Iban con varios aparatos ensamblados en un mismo eje. Estos aparatos eran la pletina de casette (¡cuántas canciones habremos grabado de la radio!), el ecualizador (nada de Pop, Rock y Neutro...¡un fader detrás de otro!) y el tocadiscos (¿lo quéeeeee?).


Por aquél entonces, la mayoría de la gente ni tan siqiuiera había realizado la transición al digital. Muchos empezamos teniendo en las minicadenas solamente los tres elementos antes mencionados. ¿Querías un lector de cd’s? ¡apoquinabas!.

Los tocadiscos no necesitaban de grandes operaciones de limpieza, pero, como eran de tracción por correa, tenías que desmontar el plato y ponerle una correa especial que tenías que comprar aparte (y si no, ajo y agua). Cambiar la correa era y es (sí, todavía se usan!) una operación más barata que cambiar la cápsula, cosa que en los tocadiscos que venían en las minicadenas NUNCA podías hacer porque las cápsulas iban soldadas al brazo fonocaptor, y te la tenían que cambiar -PREVIO PAGO- en el servicio técnico de la marca.

El audio portátil o representaban los walkman. Eran una especie de pletinas pequeñas de casette con una clavija de minijack y sintonizador de radio, en las que tenías que meter una casette para poder escuchar música pregrabada (recordemos que cada casette podía almacenar solamente hasta una hora de audio). Además, si querías rebobinar una casette tenías una opción adicional si no tenías walkman, minicadena o radiocasette…¡el boli!.
Televisores

Imagináos un subwoofer de Creative Labs y ponerle un triángulo detrás. ¿Os lo imagináis? ¡Pues así eran más o menos los televisores!. Y no, no eran -en aquella época- de formato apaisado como lo son ahora….¡eran cuadrados, con una trasera que nada tenía que envidiar a un tanque!.

Eran televisores que no tenían mando a distancia. ¿Querías encenderlos, cambiar de canal o, simplemente, bajar o subir el volúmen? ¡a levantarse para cambiarlo! ¡y nada de darle al + o al -…¡ibas canal por canal! (¿zapear? ¿esso qué ehhhh?).

Televisor de Tubo de los años ochenta

Vídeo Doméstico

Todos estáis acostumbrados a ver las películas con perfecta calidad mediante discos duros, blu ray o streaming, ¿verdad? Pues solamente es así desde hace diez años.

A principios de los años noventa había un sistema de vídeo -afortunadamente extinto- llamado VHS. ¿En qué consistía? Consistía en una cinta magnética que incorporaba única y exclusivamente la película -¡EN ANALÓGICO!-, algún que otro tráiler y, con muchísima suerte, algún pequeño así se hizo.
Por supuesto, en los primeros años las películas NUNCA se presentaban en su formato original de cine, sino con la imagen cortada. El sonido era solamente estéreo (en el mejor de los casos), y casi no había películas en versión original. Hay que mencionar, aparte, que, a veces, la cinta magnética se liaba de tal manera que se quedaba inutilizable.

Si querías ver una película que tú habías escogido y no querías comprarla, solamente tenías una opción: ir al videoclub (sí sí, entonces eran tiendas, no eran plataformas de streaming como ahora) y escoger una película. Hay que mencionar, además, que si no devolvías las películas en el plazo estipulado, te multaban (y luego alguno se pregunta porqué están casi desaparecidos).
Por supuesto, a la hora de ver la película no podías escoger el idioma, solamente te venían en una lengua. Y te quedabas “encantado” cuando la película se rallaba, ya que, entonces, veías unas rayas descomunales que te daban por donde yo me se una barbaridad. Y todo ello lo veías con cuatro veces menos calidad que lo que se ve ahora.

Otros sistemas que no triunfaron y que daban veintipicomil vueltas al Vhs en lo referente a calidad eran el Beta y el Laserdisc (con, respectivamente, un 10 y un 150 por ciento más de calidad que el VHS).

Seguiré en la próxima entrada